Die 21 aufschlussreichsten Promi-Dokumentarfilme im Ranking

Dokumentarfilme von Prominenten sind das A und O. Es gibt Hagiographien, die ihre Themen beinahe vergöttlichen. (Wir sehen Sie, Jonas Brothers: Chasing Happiness.) Manche haben das Gefühl, reine Geldverdienmöglichkeiten zu haben: „Der und der ist gestorben? Lasst uns etwas zusammenwerfen und es irgendwo verkaufen!“ Netflix kauft viele davon, darunter Bowie: The Man Who Changed The World, eine Pastiche aus alten Clips und Talking Heads, die der Legende vom Thin White Duke nichts hinzugefügt hat. Und dann kommen wir zu den guten Dingen: aufschlussreiche, brutale und intime Dokumentationen, die die Schichten ihrer Themen aufdecken.

Das Beste davon kommt oft von den Probanden selbst, da sie – wahrscheinlich mit dem Segen ihrer Therapeuten und möglicherweise ihrer Publizisten und Anwälte – Süchte, Obsessionen, den Preis des Ruhms und vieles mehr klar erkennen. Bisher haben wir im Jahr 2023 zwei solcher Dokumentarfilme gesehen – „Still: A Michael J. Fox Movie“ und „Pamela: A Love Story“ – also dachten wir, wir würden ihren nicht-fiktionalen Staffelstab übernehmen und den am wenigsten flauschigen und am wenigsten selbstbewussten Film herunterfahren -Glückwunschdokumentationen über Prominente. Und da wir irgendwo eine Grenze ziehen müssen, konzentrieren wir uns auf Filme und Zweiteiler, also auf die epische und fesselnde Miniserie „The Last Dance“ von Michael Jordan, den verstörenden Film „Surviving R. Kelly“ und andere, die es nicht in die Kinos geschafft haben .

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Gaga: Five Foot Two konzentriert sich nicht auf Gagas Anfänge, ihren Aufstieg zum Ruhm und ihren anhaltenden Erfolg, sondern auf ein bestimmtes Zeitfenster: das Jahr, das die Veröffentlichung ihres damals neuesten Albums „Joanne“ vorbereitete , ihre gefeierte Leistung beim Super Bowl LI und ihre Fibromyalgie-Diagnose. „Five Foot Two“ ähnelt am meisten „Madonna: Truth Or Dare“, daher fühlt es sich ein wenig meta an, dass Regisseur Chris Moukarbel ein paar Minuten seiner Leinwandzeit einer Fehde zwischen Mother Monster und dem Material Girl gewidmet hat.

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Der Aufstieg und Fall von Tiger Woods ist so verrückt, dass es einer zweiteiligen Dokumentation bedurfte, um alles zu erkunden. Während wir auf die unvermeidliche Fortsetzung warten – denn er schwankt weiterhin zwischen Erlösung und Zugunglück –, befasst sich dieser Dokumentarfilm eingehend mit der Jugend des unruhigen Golfspielers, der Beziehung zu seinem Vater, chaotischen Affären, Comeback-Bemühungen und vielem mehr. Wie die meisten HBO-Sportdokumentationen ist „Tiger“ äußerst gut produziert und größtenteils taktvoll, aber ohne sein Thema können wir es als überdurchschnittlich gut bezeichnen.

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Im Jahr 2012 war Katy Perry ein gewaltiger Superstar: talentiert, lustig, überlebensgroß, frech, sexy (und stolz darauf), von Millionen Fans verehrt und entschlossen, farbenfrohe, festliche Konzerte zu veranstalten. Katy Perry: Part Of Me begleitet die 13-fache Grammy-Nominierte auf ihrer „Part Of Me“-Tour mit Rückblicken auf ihre Kindheit und den Aufstieg in die Pop-Charts und wirft einen Blick darauf, wie sich Ruhm und Tour auf ihr Privatleben (ihre Ehe mit einem Komiker) ausgewirkt haben Russell Brand endete 2011). Es ist unterhaltsam, optisch ein Hingucker (denken Sie daran, es wurde in 3-D veröffentlicht), und Perry lässt ihre Deckung gelegentlich nach, was verhindert, dass „Part Of Me“ zu sehr wie ein gut umgesetztes Werbeprojekt wirkt.

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Das ist das Besondere an Dokumentarfilmen: Sie können im Handumdrehen veraltet sein. Fragen Sie einfach Demi Lovato. Mit gerade einmal 30 Jahren hat sie bereits drei Dokumentationen vorzuweisen: Demi Lovato: Stay Strong (2011), Demi Lovato: Simply Complicated (2017) und Demi Lovato: Dancing With The Devil, eine vierteilige Dokumentation, die 2021 erschien . Die aufrichtige, wenn auch gekonnt inszenierte „Simply Complicated“ präsentierte eine strahlende Lovato, die ihre Dämonen unter Kontrolle hatte und aufblühte. Vielleicht war sie das damals, aber 2018 brach alles zusammen, als Alkohol und Heroin sie so heftig zusammenbrachen, dass sie einen Herzinfarkt und drei Schlaganfälle erlitt und Berichten zufolge dem Tod um weniger als zehn Minuten entging – allesamt Dancing With Der Teufel erforscht (zusammen mit ihrer Genesung). Es überrascht nicht, dass die Sängerin und Schauspielerin schwört, dass sie mit den Dokumenten fertig ist.

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Im Jahr 2017, vier Jahre vor ihrem Tod im Alter von 87 Jahren, erhielt die bahnbrechende Journalistin, Autorin, Drehbuchautorin und Redakteurin Joan Didion die dokumentarische Behandlung in „Joan Didion: The Centre Will Not Hold“. Und es hat eine besonders persönliche, familiäre Note, da ihr Neffe, der Schauspieler Griffin Dunne, bei dem Film Regie führte und die Fragen stellte. Didion, körperlich gebrechlich, aber ungebrochen, erzählt anschaulich Geschichten aus ihrer Karriere (Schreiben über The Doors, El Salvador, die kalifornische Gegenkultur usw.) und ihrem Leben (Liebe, Tod, Durchbrechen von Decken usw.). Die Karriereaspekte sind faszinierend, aber die Lebensabschnitte verleihen dem Film seine durchdringende emotionale Kraft. Im Jahr 2003 verlor Didion ihren 71-jährigen Ehemann, den Autor John Gregory Dunne, durch einen Herzinfarkt, und im Jahr 2005 erlag ihre 39-jährige Adoptivtochter Quintana einer Reihe von Krankheiten, die kurz zuvor begonnen hatten der Tod ihres Vaters.

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Der schottische Filmemacher Kevin Macdonald pendelt zwischen Spielfilmen (The Last King Of Scotland, The Mauritanian) und Dokumentarfilmen (der Oscar-prämierte One Day In September, Marley, Life In A Day). Und 2018 führte er Regie bei „Whitney“, das eine traurige Darstellung von Whitney Houstons Aufstieg und Fall liefert, angefangen von ihrer Jugend in New Jersey bis hin zu ihren frühesten Hits und ihrer triumphalen Interpretation von „The Star-Spangled Banner“. Es wird auch wenig gespart, wenn es um die Ursprünge ihres Drogenkonsums, ihre Beziehung zu ihrer besten Freundin und angeblichen Freundin Robyn Crawford (die nicht an der Dokumentation mitwirkte), ihren steilen Niedergang und ihren brutalen Tod in einer Hotelbadewanne geht. Houstons Mutter Cissy und ihr Co-Star in „The Bodyguard“, Kevin Costner, bieten wertvolle Einblicke, und es überrascht nicht, dass Ex-Ehemann Bobby Brown schlecht (und leugnend) rüberkommt. Ein weiterer Dokumentarfilm, „Whitney: Can I Be Me“, der ein Jahr zuvor veröffentlicht wurde, ist ebenfalls einen Blick wert.

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Lange bevor RuPaul Drag Queens in den Mainstream katapultierte, war die grelle, übertriebene Divine da draußen, stolzierte ihr Zeug, kaute die Kulissen in John Waters-Kultfilmen herum, unterhielt die Gäste in Clubs mit ihrer Comedy und ihrem Gesang, und, ja, im wahrsten Sinne des Wortes Scheiße essen (in Pink Flamingos). Die Zeichentrick- und Live-Action-Versionen von Ursula in „Die kleine Meerjungfrau“ wurden teilweise von Divine, dem gebürtigen Harris Glenn Milstead, inspiriert. „I Am Divine“ – mit wertvollen Kommentaren von Waters, Ricki Lake und Divines Mutter Frances – ist eine liebevolle Hommage an den oft übersehenen Schauspieler, der als Kind gemobbt, bisexuell, übergewichtig und das Leben auf der Party war. Milstead liebte seine Kreation sehr, sehnte sich aber auch danach, als männlicher Schauspieler akzeptiert zu werden, ein Traum, der sich jedoch nicht erfüllte, als er 1988 im Alter von 43 Jahren starb.

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In den 1990er Jahren – als Teenagerin nach ihren glorreichen Tagen als bezaubernde Punky Brewster – hatte Soleil Moon Frye immer eine Videokamera dabei, wohin sie auch ging. Sie wusste es nicht, aber sie hat einen Schatz an Filmmaterial zusammengetragen – mit anderen Kinderstars (darunter Leonardo DiCaprio, Sara Gilbert, Charlie Sheen und Brian Austin Green), die leben, lachen, sich verletzen, sich schlecht benehmen und ihren Hafer säen –, der als dient die Grundlage von „Kind 90“. Frye, jetzt Mitte 40, blickt auf dieses Filmmaterial zurück (sowie auf Tagebucheinträge und alte Telefonnachrichten), teilt es mit mehreren dieser alten Freunde, erzählt ihre Überlebensgeschichte und liefert eine faszinierender, oft erschütternder Blick auf den Kinderstar und die Hollywood-Maschinerie, die Jonathan Brandis, Harold Hunter und andere in ihren Bann zog.

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Tonya Harding ist nach wie vor eine berüchtigte Popkultur- und Sportfigur, da sie 1994 an dem Anschlag auf die olympische Eiskunstläuferin Nancy Kerrigan beteiligt war. Harding war Gegenstand zahlreicher längerer Nachrichtensegmente und wurde 2017 von Margot Robbie im Spielfilm „I, Tonya“ gespielt. Doch 1986 stand Harding im Mittelpunkt von Sharp Edges, einem 48-minütigen Video über ihre damals aufstrebende Karriere. Harding war ein ehrgeiziges, zielstrebiges und talentiertes Kind, aber es ist ihre Mutter, LaVona, man kann nicht aufhören zuzusehen. Sie hat den Preis im Auge. Jeder, der Allison Janneys Darstellung von LaVona in „Ich, Tonya“ in Frage stellt – körperlich und anderweitig –, muss sich nur „Sharp Edges“ ansehen, um zu sehen, wie treffend sie war.

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Selbst in den besten Dokumentarfilmen über Prominente gibt es ein Muster: Einblicke in die Vergangenheit des Stars, den (langsamen oder plötzlichen) Aufstieg zum Star, die Folgen seines Ruhms, die Enthüllungen (manchmal sorgfältig analysiert und manchmal unerwartet offen), das Archivmaterial und vieles mehr die Bemühungen, alles auf Spielfilmlänge zu reduzieren. Miss Americana überprüft jedes Kästchen und lässt die notorisch zurückhaltende Taylor Swift – als sie sich vom Superstar zum Megastar entwickelte – so viel mitteilen, wie sie möchte, und macht sie dabei menschlich. Sie ist lustig und süß, ehrgeizig und eigensinnig, und es ist faszinierend zu sehen, wie sie beschließt, ihre Plattform zu nutzen, um die LGBTQ+-Community zu unterstützen und für ihre Rechte zu kämpfen. Es wird interessant sein zu sehen, ob sie jemals in einem weiteren Dokumentarfilm mitwirkt, da sie mittlerweile ein immer größerer und einflussreicherer Star ist.

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Die „Free Britney“-Kampagne war in vollem Gange, als dieser nicht autorisierte Dokumentarfilm debütierte, und er weckte die öffentliche Stimmung für Britney Spears, die sich schon lange von der Konservatoriumsverwaltung ihres Vaters Jamie Spears gefangen gefühlt hatte – der letzten Person auf der Erde, mit der sie umgehen wollte ihre Angelegenheiten. Produziert von der New York Times, geht es in „Framing Britney Spears“ um das rohe Talent der Sängerin, ihren Kinderstar, ihre Hypersexualisierung und ihre Hassliebe zu den Paparazzi, zusammen mit den grausamen Witzen, die auf ihre Kosten gemacht wurden, und ihrem Zusammenbruch mit Regenschirm im Jahr 2007 , und die lange Konservatoriumszeit (die inzwischen beendet ist). Jamie Spears, Diane Sawyer und Justin Timberlake schneiden furchtbar ab – wie sie sollten. Und das alles in straffen, unauffälligen 74 Minuten präsentiert.

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Auf dem Höhepunkt von Pamela Andersons Ruhm wurde sie von nur wenigen Menschen ernst genommen. Sie war die Blondine aus „Baywatch“ und „Playboy“, die ihren roten Badeanzug ausfüllte wie niemand mehr seit Farrah Fawcett, dann heiratete sie den Rocker Tommy Lee, und dann explodierte sie als Boulevard-Favoritin dank eines privaten Sexvideos mit ihr und Lee, das sehr gut ankam öffentlich. „Pamela: A Love Story“, verknüpft mit ihren Memoiren (Love, Pamela: A Memoir of Prose, Poetry, And Truth), lässt Anderson ihre Geschichte erzählen. Sie wirkt sympathisch, klug, weltmüde und belastbar. Die Zeit, in der sie sich darauf vorbereitet, am Broadway in Chicago aufzutreten, fühlt sich triumphierend an, und die Momente, in denen sie offen mit ihrem Sohn Brandon (der die Dokumentation produziert hat) spricht, sind ungezwungen und menschlich.

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Liz Garbus hatte im Jahr 2015 ein beachtliches Jahr und drehte zwei gefeierte Dokumentarfilme: Cousteau und What Happened, Miss Simone? Im letzteren zelebriert Garbus Nina Simone in all ihren Facetten als Sängerin, als Mensch (der sich mit Rassismus, psychischen Problemen und körperlicher Misshandlung befasst) und als Aktivistin. Simone – 1933 in North Carolina als Eunice Kathleen Waymon geboren – war so verstört über die Behandlung von Afroamerikanern in Amerika, dass sie das Land 1973 endgültig verließ. Simone starb 2003, daher verlässt sich Garbus auf Redner (einschließlich Simones Tochter, Lisa), Archivinterviews mit Simone, Tagebucheinträge, Briefe, Konzertaufnahmen und dergleichen, um die gewichtige Geschichte zu erzählen. Der Film wurde schließlich für den Oscar als bester Dokumentarfilm und sechs Emmys nominiert und gewann einen Peabody Award.

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Vier Jahre nach dem Tod der Comedy-Legende Robin Williams machten sich Regisseurin Marina Zenovich und Produzent Alex Gibney daran, „Robin Williams: Come Inside My Mind“ zu drehen, einen respektvollen, aufschlussreichen Dokumentarfilm. Zenovich entlockt Williams‘ Familie und Kollegen (darunter Whoopi Goldberg, Steve Martin, Pam Dawber und Billy Crystal) aufschlussreiche Kommentare und enthält selten oder noch nie gesehene Clips, die dem Projekt Frische verleihen. Dennoch sitzt der Zuschauer eher neben Williams Kopf, als dass er in seine Gedanken eindringt, wenn er Einblicke in die Triebfedern seiner Komik, seiner Sucht, seiner Wärme und seiner manischen Energie erhält.

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Beyoncé selbst führte Regie, schrieb und produzierte „Homecoming“, mit dem sie die Tatsache feiert, dass sie 2018 die erste schwarze Frau war, die als Headlinerin bei Coachella auftrat. Es grenzt an Hagiographie, da sie sehr wenig über ihr Leben oder ihre Familie preisgibt und es sich mehr oder weniger um einen Konzertfilm handelt. Aber der Blick auf einen der größten Stars der Welt, auf dem Höhepunkt ihres Talents und ihrer Kraft, ist faszinierend. Sie möchte, dass alles perfekt ist, wenn sie die Bühne betritt, und sie macht es möglich. Und während ihrer Show und damit auch in der Dokumentation würdigt sie die schwarze Kultur, die schwarzen Schulen und die schwarzen weiblichen Dynamos, die sie inspiriert haben, darunter Maya Angelou und Toni Morrison.

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Ohne um Mitleid oder Mitgefühl zu bitten, stellt uns Michael J. Fox in Davis Guggenheims ehrlichem und herzzerreißendem Still: A Michael J. Fox Movie sein Leben vor – das Gute, das Schlechte und das Tragische. Fox, bei dem 1991 im Alter von 29 Jahren die Parkinson-Krankheit diagnostiziert wurde, scheint sehr wenig zu schonen, während wir beobachten, wie er gelegentlich stolpert und nach Worten sucht, während ein schrecklicher, degenerativer Zustand seinen Körper langsam überwältigt. Guggenheim führt uns auch durch Fox‘ Karriere in „Family Ties“ und „Zurück in die Zukunft“, und es ist dem Zuschauer nicht entgangen, dass ein so jungenhafter, lächelnder und ständig bewegender Schauspieler auf diese Weise in die Knie gezwungen wird. Guggenheim stellt uns auch Fox‘ Frau und Kinder vor, die sich als der Fels erweisen, auf den Fox sich bei Bedarf stützen kann. Das intime und ergreifende „Still: Ein Michael J. Fox-Film“ zeigt, wie sich dieser fünfmalige Emmy-Preisträger auf unterschiedliche, aber wichtigere Weise bewegt.

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Michael Jackson wollte, dass seine Kinder ihren Vater live sehen, also drängte er sich dazu, sich auf eine Reihe von Shows in der O2 Arena in London im Sommer 2009 vorzubereiten. Regisseur und Choreograf Kenny Ortega arbeitete mit Jackson zusammen und filmte endlose Probenstunden bei im Staples Center in LA Nachdem Jackson am 25. Juni gestorben war, verarbeitete Ortega das Filmmaterial – kontroverserweise – zu Michael Jacksons „This Is It“, etwas, das einem Konzertfilm oder zumindest einem Generalprobenfilm ähnelte. Obwohl er erschöpft und furchtbar dünn war, beschwor Jackson seine alte Magie, wann immer ein Herzschlag nachließ. Allerdings war die Familie Jackson nie zufrieden mit dem Doc und behauptete, er habe den verstorbenen Sänger, der erst vier Monate zuvor gestorben war, geschmacklos ausgebeutet. Dennoch zeigt This Is It als Dokument dessen, was hätte sein können, wie MJ singt, tanzt und sich mit seiner Band und seinen Tänzern verbindet, die alle niedergeschlagen aussehen, als sie erfahren, dass Jackson gestorben ist.

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„The World's A Little Blurry“ fängt Billie Eilish ein, wie sie als düstere, bissige, eigensinnige und äußerst talentierte Teenager-Sensation auf der Bühne explodierte. RJ Cutlers Kameras sind Zeugen all dessen: das erste Erröten des Erfolgs, die druckbedingten Nervenzusammenbrüche, die Probleme mit den Jungen, die Gespräche mit ihren Eltern, ihre Jungfernfahrt in ihrem ersten Auto, Fangirling über Justin Bieber und vor allem ihre enge Bindung zu Bruder Finneas , ihr größter Unterstützer und engster Mitarbeiter. Apropos Bond oder Bond: Eilish und Finneas dabei zuzusehen, wie sie gemeinsam den 007-Titelsong „No Time to Die“ erschaffen, ist ein Nervenkitzel.

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„Manchmal fühle ich mich wie ein Unfall/Menschen schauen, wenn sie daran vorbeifahren“, singt Gomez in der Titelmelodie der Dokumentation „Selena Gomez: My Mind & Me“. „Überprüfen Sie niemals den Passagier/er möchte nur die kostenlose Show.“ Dieser Dokumentarfilmer, mit dem Popstar und der Schauspielerin vorne und in der Mitte, kontrolliert den Passagier. Was als Gomez-Film begann, der Madonna: Truth Or Dare oder Gaga: Five Foot Two ähnelte, entwickelte sich zu etwas mehr, wobei Regisseur Alek Keshishian – der vor drei Jahrzehnten bei „Truth Or Dare“ Regie führte – etwas viel Reichhaltigeres, Berührenderes und Informativeres lieferte. Gomez – die mit Lupus, bipolarer Störung und der Verlobung ihres Ex-Freundes Justin Bieber mit Hailey Baldwin zu kämpfen hat – zeigt sich höllisch verletzlich, mutig, nachvollziehbar und … hoffnungsvoll. Der letzte Text von „My Mind & Me“ sagt es schon: „Wenn mich jemand so sieht, wird er sich jetzt nicht allein fühlen.“

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Brett Morgen (The Kid Stays In The Picture, Moonage Daydream) führte bei dieser Dokumentation über die harte Liebe über den verstorbenen, großartigen und zutiefst besorgten Nirvana-Frontmann Kurt Cobain Regie. Frances Bean Cobain, die Tochter der Sängerin und Courtney Love, war die ausführende Produzentin und verschaffte Morgen Zugang zu unveröffentlichter Musik sowie bisher unveröffentlichten Tagebucheinträgen und Heimvideos. Cobain hat während seiner kurzen 27 Jahre auf der Erde alle möglichen wilden Geschichten über sich selbst erfunden, daher ist er ein etwas unzuverlässiger Erzähler. Und Morgen konzentriert sich viel mehr auf Cobains letzte Kapitel als auf seinen kreativen Höhepunkt mit Nirvana. Dennoch hat „Cobain: Montage Of Heck“ einiges zu bieten.

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Regisseur Asif Kapadia, der sich gleichermaßen gut mit Spielfilmen (The Warrior) und Dokumentarfilmen (Senna) auskennt, hat es sich – zusammen mit der Oscar-Preisträgerin Amy – zum Ziel gesetzt, die Essenz der zutiefst verstörten und scheinbar dem Untergang geweihten Sängerin Amy Winehouse einzufangen. Kommentare von Familie, Freunden und Bekannten zeichnen das Bild einer süßen jungen Frau, die völlig überfordert ist und zu selbstzerstörerischen Entscheidungen neigt, während Konzertaufnahmen und bisher ungehörte Lieder und ungesehene Videos Winehouses erstaunliches Talent bestätigen. Es ist herzzerreißend zu sehen, wie Winehouse sich gerade lange genug zusammenreißt, um ein Duett mit dem verstorbenen Tony Bennett aufzunehmen, nur um kurz darauf wieder zusammenzubrechen. Und gewagt schreckt Kapadia nicht davor zurück, sich mit Winehouses letzten Tagen, ihrem Tod und dem, was getan wurde und was nicht, um ihn zu verhindern, auseinanderzusetzen.

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